DE PIENZA, PASANDO POR AALTO Y LLEGANDO AL COBRE

En cultura del diseño, del día 12-12-16, Javier Burón nos hablo de la arquitectura y el diseño, de como a lo largo de nuestra vida vamos recogiendo imágenes de entornos, vivencias, lugares...

En uno de sus recuerdos se encontraba una ciudad, "la ciudad ideal de Pienza", "programa ex-novo sin ser incruento".

En el corazón del Val D'Orcia, cerca de Siena, en Toscana, se encuentra Pienza, considerada la encarnación de la utopía renacentista de la “Ciudad Ideal”. Obtenido el reconocimiento como lugar Unesco en 1996, sigue siendo un ejemplo llegado hasta nuestros días de los cánones urbanísticos del Renacimiento en cuanto a la organización racional del espacio y a la perspectiva de las plazas y los palacios del siglo XVI.

Pienza fue encargada por Eneas Silvio Piccolomini (de familia de nobles de Siena), nombrado papa en 1458 como Pío II, del que deriva el nombre de la ciudad; el papa quiso remodelar el burgo natal (antiguo pueblo llamado Corsiniano) confiando los trabajos a  Bernardo di Matteo Gambardelli, discípulo del famoso León Battista Alberti, arquitecto y hombre de ciencias de su séquito.

Las perspectivas geométricas, los impresionantes volúmenes de la Catedral y del Palacio Piccolomini, y la cuidadosa distribución de los espacios en el centro del viejo burgo medieval son un notable testimonio del genio arquitectónico de la época.

Esta idea de ciudad del renacimiento, ejemplo de programa urbanístico creado desde el punto de vista humanista, se quedo en mi mente. Esto me hizo pensar en Rovaniemi, no es que se trate del mismo caso, pero es una ciudad que quedo arrasada tras la 2ª Guerra Mundial, y este hecho llevo consigo la necesidad de volverla reconstruir, y su encargo fue para Alvar Aalto, y claro, Aalto fue el arquitecto que extendió por todo el mundo el concepto de "la arquitectura humanizada".

El diseño urbano de Rovaniemi consiste en un trazado en forma de una gran cornamenta de reno. Aalto es responsable también del conjunto formado por el teatro, el ayuntamiento y la biblioteca, cuyas ingeniosas formas aprovechan al máximo la luz natural. La fundación de la nueva Rovaniemi tiene como fecha de partida el año 1960.

Investigando un poco mas sobre las ciudades en las que ha intervenido Aalto, descubrí la ciudad de Seinäjoki en Finlandia. Es conocida por ser el lugar que concentra más edificios proyectados por el famoso arquitecto Alvar Aalto. La biblioteca es uno de ellos, pero este edificio tenía que adaptarse a las necesidades actuales, y por eso se les encargo su "modernización" a JKMM Architects. El estudio no ha tocado ni una sola baldosa del edificio, sino que ha construido uno completamente nuevo que se comunica con el de Aalto a través de un pasadizo subterráneo. Un inteligente equilibrio entre lo viejo y lo nuevo con fecha de 2012.

El cobre de las fachadas destaca con la blancura de los edificios circundantes de Aalto, un contraste que ayuda a separar lo nuevo de lo viejo. 

Un material que en la arquitectura contemporánea se utiliza como material de construcción, utilizándose tanto en cubiertas para techos como de revestimiento de fachadas. Su efecto visual, cuando envejece, ha sido y sigue siendo considerado como un símbolo de elegancia arquitectónica, longevidad, y distinción.

Centro de Investigaciones Nemo, Renzo Piano, Amsterdam, 1997

                                    

Museo de Young  Herzog & De Meuron. San Francisco, 2005

También merece la pena anotar que este material es el único metal con propiedades antimicrobianas (publicado en el 2008 por Environmental Protection, Agency (EPA) de Estados Unidos), capaz de impedir la vida de bacterias y otros microorganismos, como hongos y virus, por lo que su aplicación, por ejemplo, en el ámbito público puede ser innumerable. Pero como este es un tema que puede dar para mucho, intentare investigarlo y ampliarlo en una próxima entrada del blog... 

FIÓDOR DOSTOIEVSKI

LA IMPORTANCIA DE LAS CARTAS

El 7 de noviembre, en Cultura del diseño, Juan Díez del Corral nos habló de la importancia de las cartas, pero no de cartas a modo de artículo, ni ensayo, ni cartas sobre trabajos académicos. Más bien cartas que contengan un cariz personal. E investigando sobre este tema, me topé con una carta escrita a un hermano, donde el que escribe cuenta su abortado fusilamiento, el autor de esta carta era FIÓDOR DOSTOIEVSKI.

Necesitaba saber el porqué de este programado fusilamiento, que historia habría detrás de semejante circunstancia, y de esto y un poco más os hablare en mi blog.

En el campo, cuando Fiódor contaba con la edad 15 años, muere su madre de tuberculosis, su padre era un terrateniente muy cruel. Instigaba sufrimiento físico a sus sirvientes, y emocional a su familia.

Estudio ingeniería en San Petersburgo, y estando allí, con 18 años en la primavera de 1839, muere su padre. Lo asesinaron mediante golpes y asfixia. Dostoievski analizó este hecho, y pensó que debía  dar respuesta a este tipo de acontecimientos. Pensó en escribir, mediante la escritura podría analizar y explorar esta especie de misterio sin fondo que es el alma humana.

San Petersburgo

Su primer libro habla de las explosivas tensiones de clase que provocaron la muerte de su padre. Un país en el que 20 millones de siervos de Rusia eran propiedad de poderosos terratenientes. A Dostoievski le escandalizaba el trato inhumano que debían soportar a diario. En 1846 escribió su primera novela “POBRES GENTES” de 1846, fue su primera novela social Rusa.

Dostoievski quería estudiar cómo era verdaderamente la mentalidad de estos personajes,  y estudia las atormentadas vidas de sus compatriotas campesinos, lo que le llevara a tomar la resolución de salvar el corazón de Rusia. Con 28 años se interesa por el nuevo movimiento político que apoyaba a los campesinos y que atacaba al sistema de clases, el SOCIALISMO. Empezó a ir a las reuniones secretas ilegales organizadas cada semana atraído por el socialismo, porque apoyaba y propugnaba la igualdad entre clases, entre los seres humanos.

Pero el ZAR no permitía este tipo de ideas, ni su expresión, y en abril de 1849 Dostoievski fue detenido por la policía y llevado a la fortaleza de Peter y Pool, tras 8 meses encarcelado fue llevado a una plaza pública en Semenov, lugar en San Petersburgo, el 23 de diciembre 1849 para su fusilamiento.

Zar Nicolás I

DOSTOIEVSKI NARRA SU ABORTADO FUSILAMIENTO

 “¡Hermano, querido amigo! ¡Ya está todo decidido! Me han sentenciado a cuatro años de trabajos forzados en la fortaleza (creo que la de Oremburgo) y después tendré que hacer de soldado raso. Hoy, 22 de diciembre, nos han llevado al campo de tiro de Semenov. Una vez allí nos han leído a todos la sentencia de muerte, nos han dicho que besáramos la Cruz, nos han partido las espadas en la cabeza y nos han permitido lavarnos por última vez (camisas blancas). Luego han atado a un poste a tres de los nuestros para ejecutarlos. Yo era el sexto. Nos iban a llamar de tres en tres, en consecuencia, yo iba en el segundo turno y no me quedaba más que un minuto de vida. Me he acordado de ti, hermano, y de los tuyos: durante el último minuto, en mi mente estabas tú y nadie más que tú y sólo entonces me he percatado de cuánto te quiero, amado hermano mío. (…) Pero al fin han tocado retirada, los que estaban atados han vuelto con nosotros y se nos ha anunciado que su Majestad Imperial nos perdonaba la vida. (…) Tu hermano, Fiódor Dostoievski”.

En el último momento, cuando pensaba que todo iba a acabar, se detuvo el fusilamiento, el Zar les indulto. Pero fue condenado a 4 años de trabajos forzados en Siberia. Este hecho constituyo un abrupto despertar en la mente de Dostoievski.

“ahora echo la vista atrás y pienso en todo el tiempo que he desperdiciado, a partir de ahora cambiare mi vida, naceré bajo una nueva forma, volveré a nacer y mejorare”.

A partir de este momento aparecerán  una serie de cartas en las que se muestran los cambios que se irían produciendo en su vida-

En Siberia intenta comprender las vidas interiores de los asesinos y ladrones con los que convive. Encuentra un foco de humanidad que le inspira, le alimenta y le cambia.

CARTAS DE 1854 DESDE LA CÁRCEL

Nueva forma de vida y humanidad, obligado a ver el bien y el mal en el alma humana. Debe comprender la culpa, el pecado, el crimen y la redención.

“Créeme, aquí hay personas hondas, fuertes, hermosas, que gran alegría produce el descubrir oro tras un caparazón áspero y duro”.

Intensa conversión cristiana. Adoraba o exaltaba el sufrimiento, lo hacía porque era un paso importante para trascender la dificultad.

“Nada más bonito, profundo y perfecto que Cristo, cuando pecas el sufrimiento es la forma de redimirte”.

Es en este momento cuando empieza un diario en que relata sus nuevas creencias, le interesan los caracteres perturbados que le permiten acceder a una dimensión de posibilidades totalmente diferente del ser humano.

En 1854 es liberado, pero es obligado a quedarse en Siberia y servir al ejército Ruso 6 años más.

Se casa y en 1959, con 37 años, regresa a San Petersburgo. Por problemas de salud (epilepsia) acude a balnearios europeos. Empieza a frecuentar los casinos.

CARTA EN 1863

Se gasta toda su fortuna en los casinos de Alemania y vuelve deprimido y abatido a Rusia. Acepta su mala fortuna como fuente de inspiración creativa.

“Soy como un gato, tengo 8 o 9 vidas, y tengo que estar al borde de la crisis para concentrarme en mis pensamientos”.

Con su mujer al borde de la muerte, que arrastraba una tuberculosis de años,  con 42 años se fuerza a escribir “MEMORIAS DEL SUBSUELO” de 1864.

Observa el deteriorado estado de salud de su esposa y se inspira en su desesperación, creando una ficción apasionante.

Escritor antihéroe revolucionario que mostraba una realidad, primer capítulo de SUBSUELO: 

“Soy un hombre enfermo... Un hombre malo. No soy agradable. Creo que padezco del hígado. De todos modos, nada entiendo de mi enfermedad y no sé con certeza lo que me duele. No me cuido y jamás me he cuidado, aunque siento respeto por la medicina y los médicos. Además, soy extremadamente supersticioso, cuando menos lo bastante para respetar la medicina. (Tengo suficiente cultura para no ser supersticioso, pero lo soy.) Sí, no quiero curarme por rabia. Esto, seguramente, ustedes no lo pueden entender. Pero yo sí lo entiendo”.

CARTAS EN 1864

En Abril de 1864 muere su esposa.

“Ahora me encuentro en una situación tan tormentosa que no sé qué es lo que va a suceder, pero tengo fe en lo que pueda venir”.

En los momentos extremos del ser humano aparece la verdad sincera. Todo lo que escribió Dostoievski surge del caos de su vida.

En busca de estas intensas verdades humanas, rompe el molde de la novela convencional. Considera que la mayoría de los héroes literarios reflejaba ideales abstractos, en vez del verdadero caos y los defectos del alma humana.

“Sin los aspectos irracionales del ser humano sería imposible contar toda la historia y el comportamiento del mismo”.

CARTAS DE 1866

Cuando Dostoievski contaba con 43 años muere su hermano Mijaíl. Su esposa María en el 1864.

“Y entonces me vi allí solo, una sensación horrible, no había ningún alma viviente que pudiese llenar el hueco dejado por ambos, no me quedaba ninguna razón para vivir”.

Sufre una mala situación económica como consecuencia de su vuelta  a los casinos, lo pierde todo. Es entonces cuando trabajara contra reloj para escribir “CRIMEN Y CASTIGO” de 1866.

“Esta es la descripción psicológica de un crimen, un hombre joven que decide salir bruscamente de su detestable situación, está decidido a matar a una determinada mujer”.

El hombre atormentado por cuestiones espirituales, por su falta de dinero, por su hambre de dinero, por su soledad. Esto es lo característico de la novela de Dostoievski, debería enseñar a la gente que en estos momentos es cuando surge la verdadera personalidad.

Invento un tercer tipo de novela, cambio la forma que tenía la gente de ver sus propias vidas al obligar a los lectores a identificarse con un nuevo personaje angustiado, el antihéroe.

Ansia por captar la realidad de la vida social y espiritual de Rusia, su afán perfeccionista le atormenta, no queda satisfecho con Crimen y Castigo. No estaba dispuesto a comprometer su arte por una seguridad económica. Escribía borrador tras borrador, y a 1 mes de la entrega de la nueva novela, y viendo que no conseguiría hacerlo, contrata a Anna Grigórievna Snítkina como taquígrafa, a la que dicta “EL JUGADOR “de 1866.

DIARIO DE UN ESCRITOR

En 1873 empieza a publicar un diario de tirada mensual llamado “Diario de un escritor”, herramienta para una salida más directa de su crítica social.

Se aleja de los profundas búsquedas del alma, de los relatos de ficción y crea un púlpito donde moldear la opinión pública. Se vuelve más político, más incisivo, más franco. Su diario sirvió para dar salida a sus agudos miedos y prejuicios. Era antisemita y extremista, categórico en sus creencias religiosas, odioso e intolerante.

ETAPA FINAL

En la Rusia Zarista (pequeña aristocracia que gobernó con puño de hierro sobre 40 millones de personas), cuando Dostoievski estaba ya cerca de los 60 años, y viendo las grandes dificultades que asolaban su país sintió que debía alzar la voz. Las masas querían derrocar el sistema de clases, la revolución se sentía en el aire.

Dostoievski escribió “LOS HERMANOS KARAMAZOV” de 1880, un análisis de la crisis espiritual que se estaba produciendo en Rusia. Muere con 60 años en 1881.

LEGADOS COMO POETA DE LA CIUDAD AL CINE

Marginados que luchan por sobrevivir en una ciudad sin corazón, incursión en la mente atormentada por la culpa y la locura.

Taxi Driver de Martin Scorsese (1976).

La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick (1971).

Apocalypse Now de Francis Ford Coppola (1979).

PINTURA DEL CUERPO

"5 days to dance"

En octubre del año 2015 en Canal+, vi que anunciaban un documental que trataba sobre como una pareja de coreógrafos iban a  preparar a unos alumnos de una Ikastola de Donostia para una coreografía. La curiosidad me llevo a programar su grabación, y desde luego es difícil explicar las sensaciones y emociones que despertó en mí este film.

Los hechos filmados tuvieron lugar la semana del 30 de septiembre al 30 de octubre en el año 2013, en Manuel de Larramendi Ikastetxea, se trataba de un proyecto de danza-teatro guiado por los coreógrafos Wilfried Van Poppel y la donostiarra Amaya Lubeigt.

Wilfried Van Poppel y  Amaya Lubeigt.

¡Qué casualidad!, estos dos coreógrafos han trabajado con Pina Bausch, Susanne Linke o Urs Dietrich. Mi exclamación puede sorprender pero tiene una justificación.

El pasado viernes 14 de noviembre, Juan Díez del Corral nos habló de LA DANZA, “el arte del cuerpo”. Nos habló de WIM WENDERS, director de cine que grabo en el año 2011 el documental “PINA”. PINA BAUSCH, la misma con la que trabajaron Wilfried Van Poppel y Amaya Lubeigt.

Ahora entiendo por qué casi de inmediato apunte en mi cuaderno de anotaciones “5 días para bailar”. Algo chisporroteó en mi memoria, esa memoria que dicen que tenemos en el subconsciente, las palabras de Juan fueron precisas “arte de expresarse con el cuerpo sin necesidad de las palabras”. Y zas, ahí emanó mi recuerdo. Dejando de un lado este hecho, para mi algo extraño, seguiré con el blog.

Este documental, “5 days to dance”, en su primera fase se desarrolló en un colegio de Bremen, y en una segunda se termino en San Sebastián. Forma parte de un proyecto en el que proponen la danza a gente que no baila normalmente, y les enseñan una coreografía desde cero.Tanto los alumnos adolescentes como sus profesores fueron entrevistados para plasmar el desarrollo y la evolución del grupo en este proyecto. Unos 90 alumnos de 3º y 4º de la ESO participaron en el proyecto que finalizó con la actuación de "Voyage" en el teatro Sarobe de Urnieta.

¿QUE SUCEDE?
Wilfried y Amaya aparecen una mañana en el aula del instituto. Es lunes y anuncian a un grupo de adolescentes que tienen cinco días para subir al escenario y sacar adelante una coreografía trabajando la expresividad corporal. Cinco días en los que la actividad académica se centra en trabajar de manera intensa conceptos de danza profesional y de expresión mediante el baile. Una semana para cambiar las cosas. Un pequeño plazo pero un gran reto: mover a las personas cuando el mundo nos paraliza.

La danza obliga a esos jóvenes a romper sus roles sociales justo en el momento de sus vidas en el que éstos se están afianzando. El líder deja de ser el más admirado, la chica guapa deja de ser la más admirada, el tímido da un paso adelante... Bailar les obliga a tocarse. Se comunican, se igualan. Alguno no se liberará hasta el último instante.

El proceso será un viaje de autodescubrimiento tanto por parte de los alumnos como de los profesores.

"Personas con un cuerpo, con un alma, que tienen una forma de expresar, y cuando lo hacen es precioso", "tienes valor por ser como eres, no por cuando consigues algo". ( Amaya Lubeigt.).

"en cinco días tienes que hacer tanto como puedas, y después cuando ya pase, preguntarte por que no hiciste aquello?, quizás ya sea demasiado tarde. Puede que no fueras consciente en ese momento. Es lo mismo que ocurre en la vida".(Wilfried Van Poppel)

Enlace del proyecto ´Dance2gether’ en el que llevan años trabajando.

SOROLLA

EL BAÑO DEL CABALLO Sorolla combina en su vida dos obsesiones el arte y la familia, y si le hubiesen dado a elegir no hubiera sabido que escoger, si pintar o estar con los suyos. La pintura fue su amante, y según su mujer Clotilde, una amante muy celosa. Con dos años de edad, fallecen sus padres. Su hermana Eugenia y él, fueron acogidos por su tía Isabel y su marido. De esta gran pérdida emocional nace la pasión y amor hacia su familia, hacia su querida Clotilde "tengo contigo el amor de madre que nunca tuve". Influido por el arte y la técnica de la fotografía, esta última desarrollada en el taller del que sería más tarde su suegro, Antonio García Peris, le permitió al joven Sorolla familiarizarse con la técnica fotográfica y desarrollar una mirada que vemos en muchas de sus obras en las que utiliza encuadres más propios de la fotografía que de la pintura. Visión fotográfica, en bocetos, apuntes, encuadraba, enmarcaba la composición como si fuera una foto. El baño del caballo.1909

Centrare esta exposición en un periodo concreto de la vida de Sorolla, sus mejores escenas de playa, pintadas en 1908 y 1909. En el baño del caballo se observa la sinfonía de blancos y azules, tan significativos de este 1909, al igual que en el lienzo Paseo a orillas del mar, donde pinto a su mujer e hija. Compositivamente, muestra un recurso muy frecuente en su producción.El punto de vista se sitúa a la altura del joven que protagoniza la escena, pero el objetivo parece inclinarse. Con ello, la atención del espectador se centra, la mirada queda atrapada en la superficie del lienzo y se mueve impulsada por los reflejos de luz y la línea ondulante que crea el agua en la orilla.  Sin duda, a Sorolla le interesa mucho más lo que ocurre en el suelo que en el cielo. La orilla está llena de efectos con interés visual: el cuerpo brillante por la piel mojada, la lámina de agua que hace de la arena un espejo, los reflejos de la luz en el agua inquieta y las sombras.  Paseo a orillas del mar.1909 Los cuadros de Jávea, muestran la preocupación del pintor por plasmar con absoluto realismo y con pinceladas enérgicas y seguras la luz del Mediterráneo, la extraordinaria belleza de sus aguas, los paisajes y el movimiento vibrante del sol sobre los cuerpos y el mar. En el mar tiene todos los retos que él se puede plantear como artista, su Jávea sublime, intensa, las velas, el regreso de los pescadores, las luces de mil colores reflejadas en el mar. Esperando la pesca. 1908 Refleja en sus lienzos la luz del mediterráneo con todas las tonalidades del blanco, vibrantes azules, ocres intensos y verdes agua. En esta etapa pinta casi exclusivamente al aire libre. Los lienzos de gran formato los planta en la playa, a modo de tenderete construido con maderas y toldos, para que no les de la luz directa del sol. Pero con todos los inconvenientes, primero el sol, luego el aire con la brisa de la playa, y también con los transeúntes que se paran a mirar su pintura. Valencia a la luz de la mañana. 1908 Corriendo por la playa.1908 A Sorolla le agradaba mucho pintar, a veces hasta 4 horas bajo el sol, contempla la naturaleza y la convierte en suya. Para él no era trabajo físico sino emotivo, hasta el punto de que al finalizar de pintar, unas 3 horas, se sentía a gusto y más tarde, 1 hora más, un periodo para serenarse, temblaba e incluso a veces lloraba. Pintor clasicista y moderno con los colores del mediterráneo en su paleta. Entre la tradición y las vanguardias, se inspiró en el mundo que le rodeaba, supo verle la cara luminosa a un país acostumbrado a vestirse de negro y dejo que la realidad le guiara por los caminos de la naturaleza y naturalidad. El interés por la luz y por el color supera el interés por el motivo. Niños en el mar. 1908 Corriendo por la playa. 1908 Al agua.1908 Idilio en el mar.1908 SOROLLA Saliendo del baño.1908 Capacidad para representar el movimiento de las olas y el juego de luces y ecos que éstas levantan con su movimiento. El cromatismo es asombroso, a la vez que su naturalismo y realidad. El balandrito.1909 Relacionamos res pintores con diferentes maneras de plasmar la figura humana en un mismo contexto. En todos se plantea una composición de primer término donde la visión desde arriba hacia abajo permite al artista delimitar su escena por completo en el agua, de modo que la atención se concentra en la presencia de los cuerpos al sol, junto a sus reflejos y a la sombra que proyectan sobre el mar.  A Fortuny le caracteriza la pincelada suelta y espontánea. En Sorolla las pinceladas son largas y ondulantes e indican el movimiento del mar, los toques más empastados aparecen en los brillos de los cuerpos, así como la composición de sus colores. Y en John Singer Sargent apreciamos que la pintura de técnica y temática es similar a la de Sorolla. Realizarán una pintura naturalista, basada en la vida moderna de su alrededor, haciendo hincapié en la incidencia de la luz y con una pincelada suelta. Las escenas de playa de Sargent son realmente similares a las de Sorolla, pero con la diferencia de que fueron pintadas veinte años antes., la obra de Sargent fue realmente influyente en la pintura de Sorolla. Se conocieron en París, en la Exposición Internacional, e iniciaron una amistad. Desnudo en la playa.1874 MARIANO FORTUNY Escena de playa Nápoles. 1879 John Singer Sargent Sobre la arena. 1908 También mostrar otra obra de John Singer Sargent que podría confundirse con Sorolla. Chica pescando. 1913 Gregory Frank Harris, un pintor americano que sigue la estela de la obra de Sorolla. On the Pacific shore. Gregory Frank Harris Sorolla pinta deprisa no vaya a ser que se le escape el instante. Cuando se planta frente al lienzo empieza la lucha, en su primer trazo después de pensar en cómo será la composición, velocidad y tiempo aparecen en el lienzo, y al finalizar, es el momento del sueño terminado.